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2022
Tinta acrílica sobre lona, papel machê, pregos, madeira, base giratória, música, carvão sobre parede.
[Acrylic paint on canvas, papier mache, nails, wood, revolving base, music, charcoal on wall.]
Dimensões variáveis [Variable dimensions]
Fotografias de [Photos by] Pedro Victor Brandão e [and] Ismael Monticelli.
O que sobrenada, sobrenada no caos foi uma exposição organizada em uma narrativa cuja atmosfera lúgubre despertava um sentimento de melancolia e frustração, em meio às comemorações do bicentenário da Independência do Brasil e do centenário da Semana de Arte Moderna de 1922. Situada na encruzilhada das utopias e distopias de um tempo repleto de efemérides e fracassos, a mostra foi um convite a chafurdar na profanação, no deboche e na crítica que são necessárias a uma vida para além do triunfalismo e do tom celebratório dos cambaleantes cânones artísticos brasileiros e suas fatigadas narrativas. Ao tecer restos de ideias, pensamentos, sons e imagens, o artista sublinhou as fantasias de nossa modernidade e as lançou sobre e contra o agora: tempo crescentemente interpretado à luz do Antropoceno.
Dividida em três etapas, a dramaturgia da exposição se apropriou das construções estético-políticas de Tarsila do Amaral para elaborar um jardim, um grande Éden cuja fabulada harmonia social era, por sua, vez, perturbada por um bestiário sanguinário e carnívoro, que devorava a si e aos outros em meio ao cenário volumetricamente coeso e cromaticamente matizado de sua obra. A estratégia do artista consistiu não apenas em inserir bestas e feras míticas nas paisagens tarsilescas, senão, principalmente, de fazê-lo desde a perspectiva estética da Idade Média por meio da apropriação direta de figuras como as do Bestiário de Aberdeen (Inglaterra, c.1200) e de aspectos como o douramento da superfície e da escrita, cunhando um imaginário ao mesmo tempo moderno e medieval.
No terceiro andar, a paradisíaca primavera pictórica se via infestada por espinhosas cobras que se enrolavam para servir de ninho às centenas de ovos que abundavam no espaço e que, por sua vez, emulavam certa dramaticidade arquetípica entrevista na obra de Maria Martins, contrastando – estética e politicamente – as duas icônicas artistas.
Nas paredes da escada que conectava os dois pavimentos havia uma intervenção do artista, onde se lia repetidas vezes a frase “quando o relâmpago fala, ele diz escuridão”, do filósofo e escritor George Steiner.
Mais informações sobre o projeto aqui.
What floats, floats in chaos was an exhibition organized around a narrative whose dismal atmosphere aroused a feeling of melancholy and frustration, amid the celebrations of the bicentennial of the Independence of Brazil and the centenary of the Week of Modern Art of 1922.Located at the crossroads of utopias and dystopias of a time full of ephemeris and failures, the exhibition was an invitation to wallow in the profanity, mockery and criticism that are necessary for a life beyond the triumphalism and celebratory tone of the tottering Brazilian artistic canons and their weary narratives.By weaving remnants of ideas, thoughts, sounds and images, the artist underlined the fantasies of our modernity and cast them over and against the now: time increasingly interpreted in the light of the Anthropocene.
Divided into three stages, the exhibition's dramaturgy appropriated Tarsila do Amaral's aesthetic-political constructions to create a garden, a great Eden whose fabled social harmony was, in turn, disturbed by a bloodthirsty and carnivorous bestiary, which devoured the himself and others amidst the volumetrically cohesive and chromatically nuanced setting of his work. The artist's strategy consisted not only of inserting beasts and mythical beasts in Tarsillesque landscapes, but mainly of doing so from the aesthetic perspective of the Middle Ages through the direct appropriation of figures such as those from the Bestiary of Aberdeen (England, c. 1200) and aspects such as the gilding of the surface and the writing, creating an imaginary that was both modern and medieval.
On the third floor, the paradisiacal pictorial spring was infested by thorny snakes that curled up to serve as a nest for the hundreds of eggs that abounded in space and that, in turn, emulated a certain archetypal drama seen in Maria Martins’ work, contrasting – aesthetics and politically – the two iconic artists.
On the walls of the staircase that connected the two floors there was an intervention by the artist, where the phrase “when lightning speaks, it says darkness” by the philosopher and writer George Steiner was written repeatedly.
More information about the project here.
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